Japanse schilderkunst. Moderne Japanse schilderkunst

Japanse schilderkunst - de oudste en verfijnde vorm van beeldende kunst, die een verscheidenheid aan technieken en stijlen omvat. In de hele geschiedenis van het bestaan heeft het vele veranderingen ondergaan. Toegevoegd nieuwe tradities en genres, evenals inheemse Japanse bleef principes. Samen met de verbazingwekkende geschiedenis van het Japanse schilderen en is klaar om vele unieke en interessante feiten te presenteren.

het oude Japan

De eerste Japanse stijl schilderijen verschijnen in de oudste periode van de geschiedenis van het land, nog steeds voor Christus. e. Dan was de kunst vrij primitief. Ten eerste, in 300 voor Christus. e., waren er verschillende geometrische vormen, die op aardewerk met stokjes werden uitgevoerd. Door de latere periode omvatten dergelijke archeologische vondsten als versiering op bronzen klokken.

Een beetje later, in het jaar 300 voor Christus. e., er zijn grotschilderingen, die veel gevarieerder zijn geometrische ornament. Dit is de volledige afbeelding met de beelden. Ze zijn gevonden in graven en waarschijnlijk ook mensen die zich aangetrokken voelen tot hen werden begraven in deze begraafplaatsen.

In de 7e eeuw voor Christus. e. Japan is geschreven, die afkomstig is uit China. Rond dezelfde tijd, de eerste foto komt. Dan is er het schilderij als een aparte sfeer van kunst.

Edo

Edo - dit is niet de eerste noch de laatste school van de Japanse schilderkunst, maar in de cultuur was zij het die een heleboel nieuwe dingen gebracht. Ten eerste is het de helderheid en schittering, wat bijdraagt aan de gebruikelijke techniek, is verkrijgbaar in zwart en grijstinten. De meest prominente kunstenaar van deze stijl wordt beschouwd SOTAS. Hij heeft de klassieke schilderijen, maar zijn personages zijn zeer kleurrijk. Later stapte hij over naar de natuur, landschappen en de meeste werden uitgevoerd op de achtergrond van goud uitgevoerd.

Ten tweede was er een exotische genre Namban in de Edo-periode. Vroeger was het moderne Europese en Chinese kunst, die werden verweven met traditionele Japanse stijlen.

En ten derde is er de Nanga School. Het kunstenaars eerste volledig na te bootsen of het werk van de Chinese meesters te kopiëren. Dan is er de nieuwe vestiging, die bundzhinga werd genoemd.

modernisatieperiode

Edo-periode Meiji vervangen, en nu is de Japanse kunst wordt gedwongen om een nieuwe fase van ontwikkeling in te voeren. Op dit moment, over de hele wereld werd populair genres zoals Western, en dergelijke, zodat de modernisering van de kunst is uitgegroeid tot een gemeenschappelijke stand van zaken. Echter, in Japan, een land waar alle mensen zijn vereerd traditie, in de huidige situatie is het veel verschilt van wat er gebeurd is in andere landen. Hier acute aanvallen van de concurrentie tussen Europese en plaatselijke technici.

De regering in dit stadium, de voorkeur van de jonge kunstenaars die hoge verwachtingen in te dienen voor de verbetering van vaardigheden in de westerse stijl. Dus ze sturen ze naar school in Europa en Amerika.

Maar het was pas in het begin van de periode. Het feit dat bekende critici van vrij sterk bekritiseerd westerse kunst. Om een veel opwinding rond dit probleem te voorkomen, Europese stijlen en technieken werd het verbod op tentoonstellingen, ze serveert gestopt, wat dat betreft, en de populariteit.

Het uiterlijk van de Europese stijl

Vervolgens komt de periode van Taisho. Op dit moment is de jonge kunstenaars die ging studeren in buitenlandse scholen, komen ze terug naar hun vaderland. Natuurlijk, mee te nemen zij nieuwe Japanse schilderkunst stijlen die zijn zeer vergelijkbaar met de Europese. Het lijkt Impressionisme en post-impressionisme.

In dit stadium, een aantal scholen waar geregenereerde oude Japanse stijlen. Maar om zich te ontdoen van de westerse trends kan niet. Daarom is het noodzakelijk om verschillende technieken om zowel de liefhebbers van de klassiekers te behagen, en fans van de moderne Europese schilderkunst te combineren.

Sommige scholen worden gefinancierd door de overheid, zodat die erin slaagt om veel van de nationale tradities te behouden. Particuliere handelaren gedwongen zijn om de smaak van de consumenten die iets nieuws willen volgen, ze zijn moe van de klassiekers.

Het schilderen van de Tweede Wereldoorlog

Na het uitbreken van de oorlog Japanse schilderkunst enige tijd bleef afzijdig van de gebeurtenissen. Het is afzonderlijk en onafhankelijk geëvolueerd. Maar het gaat op voor eeuwig zo kon niet.

Na verloop van tijd, wanneer de politieke situatie in het land wordt steeds erger, hoge en gerespecteerde figuren trok veel kunstenaars. Sommigen van hen zijn nog steeds aan het begin van de oorlog beginnen te creëren in patriottische stijl. De rest van de start van dit proces slechts op bevel van de autoriteiten.

Dienovereenkomstig, vooral voor de Japanse kunst ontwikkelen tijdens de Tweede Wereldoorlog was niet in staat om. Daarom is voor het schilderij kan stagnerende worden genoemd.

eeuwige suybokuga

Japanse sumi-e schilderen of suybokuga, betekent "inkttekening". Dit bepaalt de stijl en technieken van de techniek. Het kwam uit China, maar de Japanners hebben besloten om het noemen hun eigen manier. En aanvankelijk machines gehad esthetische kant. Monniken gebruikten het voor zelf-verbetering in de studie van Zen. Bovendien zijn ze voor het eerst tekende, en later gecoacht concentratie wanneer je ze te bekijken. De monniken geloofden dat de verbetering hulp strakke lijnen, een vage toon en schaduw - dat alles zwart wordt genoemd.

Japanse inkt schilderen, ondanks de grote verscheidenheid van patronen en technieken is niet zo moeilijk als het lijkt op het eerste gezicht. Het is gebaseerd omvat alle 4 van het perceel:

1. Chrysant.
2. Orchid.
3. Tak van pruim.
4. Bamboe.

Een klein aantal onderwerpen doet de ontwikkeling van snelle technologie. Sommige kunstenaars zijn van mening dat het leren van een leven lang meegaat.

Ondanks het feit dat de sumi-e kwam voor een lange tijd, is het altijd de vraag. Bovendien, vandaag de dag, om de meesters van deze school kun je niet alleen in Japan te voldoen, en het is tot ver buiten haar grenzen.

De moderne tijd

Aan het einde van de Tweede Wereldoorlog in Japan, kunst bloeide alleen in de grote steden, de dorpelingen en de dorpelingen hebben genoeg zorgen. De meeste kunstenaars hebben geprobeerd om uit de buurt van de oorlog verliezen draaien en portretteren op het doek van het moderne leven in de stad met al zijn versieringen en functies. Succesvol Europese en Amerikaanse ideeën overgenomen, maar deze situatie duurde niet lang. Veel kunstenaars begon geleidelijk af te stappen van hen in de richting van de Japanse scholen.

Traditionele stijl bleef altijd modieus. Daardoor kan het moderne Japanse schilderkunst verschillen alleen in techniek of materialen die worden gebruikt in het proces. Maar de meeste van de kunstenaars slecht waarnemen diverse innovaties.

Opgemerkt dient te worden modieuze moderne subculturen zoals anime en aanverwante stijlen. Veel kunstenaars proberen om de lijn tussen klassieke en wat er vandaag de dag eiste vervagen. Voor het grootste deel deze situatie wordt veroorzaakt door het bedrijfsleven. Klassieke en traditionele genres eigenlijk niet kopen dus onrendabele werk als kunstenaar in zijn favoriete genre, is het noodzakelijk aan te passen aan de mode.

conclusie

Ongetwijfeld, Japanse schilderkunst is een opslagplaats van de kunst. Misschien is het land in kwestie is de enige die gingen niet in het kielzog van de westerse trends gebleven, niet aan te passen aan de mode. Ondanks de vele hobbels in de tijd van de komst van nieuwe technieken, de Japanse kunstenaars waren nog steeds in staat om de nationale tradities te verdedigen in vele genres. Misschien is dat wel de reden waarom in de huidige tentoonstellingen zeer gewaardeerde schilderijen, uitgevoerd in klassieke stijl.